Читать книгу: «Великие скульпторы»

Дорогие друзья!

В учебниках и книгах, на почтовых открытках и плакатах вам уже приходилось видеть изображения шедевров скульптуры – «Венеру Милосскую», «Дискобола», «Давида», «Медного всадника», «Рабочего и колхозницу». Эти творения великих мастеров прошлого всегда присутствуют в нашей жизни, но о тех, кто их создал, мы порой знаем очень мало.

В этой книге вы найдете биографии самых известных скульпторов – со времен античности и до наших дней.

О скульпторах античности мы знаем очень мало: сведения о них весьма отрывочны, а творения их рук (за редким исключением) нам известны только по копиям. О великих мастерах Возрождения история сохранила больше сведений, хотя многие из них весьма противоречивы. Не всегда бывают точны и биографии скульпторов более позднего времени. Кроме того, создание скульптуры – процесс длительный: от замысла до воплощения мог пройти не один десяток лет. Многие скульпторы делали копии со своих произведений или доверяли изготовление копий другим мастерам. Поэтому даты создания скульптур, как правило, в разных книгах не совпадают. В данном издании мы постарались давать их приблизительно или не упоминать о них совсем.

Все статьи в этой книге расположены в алфавитном порядке. Если вы встретите имена, выделенные курсивом, значит в справочнике есть отдельные статьи об этих людях.

Антоко́льский Марк (Мордух) Матвеевич

(1843–1902) – выдающийся русский скульптор и теоретик искусства, крупнейший представитель демократического направления в скульптуре второй половины XIX в.

Антокольский родился в городе Вильно (ныне Вильнюс) в многодетной еврейской семье. Отец мальчика содержал харчевню и «питейный» дом.

Художественное дарование Антокольского проявилось с раннего детства, и родители отдали его учеником к резчику по дереву. В 1858 г. он поступил в Виленское раввинское училище. В судьбе юноши приняла участие А. А. Назимова, жена виленского генерал-губернатора. Увидев вырезанную им из дерева репродукцию картины Ван Дейка «Христос и Богоматерь», она добилась от родителей Антокольского согласия на переезд сына в Петербург и снабдила его деньгами.

В 1862 г. Антокольский поступил вольнослушателем в Академию художеств в Петербурге. Первым его учителем стал Н. С. Пименов. Антокольский сблизился с И. Е. Репиным, И. Н. Крамским, В. В. Стасовым и вскоре в своем творчестве отказался от принятых в Академии религиозных и мифологических сюжетов. Его первыми произведениями были жанровые сценки, вырезанные из дерева. За первую свою работу – горельеф «Портной» (1864) – он получил Малую серебряную медаль, за вторую – «Скупой» (1865) – был сделан стипендиатом императора.

За этими работами последовали и другие, сюжеты которых скульптор брал из еврейской жизни: «Мальчик, крадущий яблоки» (1865), «Спор о Талмуде» (1868). В течение 1863–1869 гг. он лепил из воска композицию «Нападение инквизиции на евреев», которая была плохо принята профессорами Академии.

Будучи неудовлетворенным преподаванием в Академии, Антокольский отправился в 1868 г. в Германию, однако и там его ждало разочарование.

В начале 1870-х гг. скульптор обратился в своем творчестве к исторической тематике. Он создал бронзовую скульптуру «Иван Грозный» (1870–1871).

Грозный был изображен Антокольским в момент тревожных раздумий. На нем – монашеское одеяние, в одной руке он сжимает четки, другой судорожно хватается за подлокотник кресла. Под сурово сдвинутыми бровями горит сосредоточенный, напряженный взгляд. «Мучитель и мученик» – так назвал его сам автор.

«Иван Грозный» вызвал бурю восторга, а император Александр II заказал у Антокольского мраморную копию скульптуры. Разумеется, после такого шумного успеха Антокольский получил звание академика.

В 1872 г. эта скульптура демонстрировалась на международной выставке в Лондоне, и Кенсингтонский музей заказал для своего собрания ее гипсовую копию. Это был беспрецедентный случай в истории российской скульптуры.

Однако изматывающий труд в холодной, сырой мастерской сказался на здоровье Антокольского. По настоянию врачей в 1871 г. он был вынужден уехать за границу.

Прибыв в Италию в 1871 г., он начал работу над статуей Петра I. В противоположность мятущейся душе Ивана Грозного первый российский император был представлен Антокольским как цельная и могучая личность, в скульптуре воплотились и характер великого реформатора, и эпоха становления России как державы.

Созданная к двухсотлетию Петра, эта статуя стала образцом для памятников, которые были установлены в Таганроге (1903) и Архангельске (1914), а уменьшенная копия украсила Нижний парк Петродворца (Петергоф). Однако повторить успех «Ивана Грозного» скульптору не удалось. Многие упрекали Антокольского в излишней прямолинейности и идеализации образа императора.

В это же время он выполнил для Александровского моста через Неву эскизы конных статуй Ярослава Мудрого, Дмитрия Донского, Ивана III – которые должны были стать основой скульптурной галереи русских исторических деятелей. Но этот проект утвержден не был.

В 1872 г. Антокольский вернулся в родной город Вильно, чтобы сделать предложение дочери купца Апатова, в которую был влюблен еще в юности. После свадьбы молодые уехали в Рим.

В этот период Антокольский обратился к морально-философским темам. В бронзовой скульптуре «Христос перед лицом народа» (1874) он использовал коллизию столкновения героя и толпы. Христос внешне спокоен, однако в его взгляде читается не только убежденность проповедника в собственной правоте, но и немой укор. Появление этой статуи на Парижской выставке стало триумфом для скульптора. Он был удостоен многих наград и принят в члены Парижской академии художеств. Именно тогда у мастера созрело решение переехать с семьей в Париж.

Следующие значительные работы скульптора: «Смерть Сократа» (1875), «Спиноза» (1882), «Мефистофель» (1883) и «Христианская мученица» (1887). «Сократ» был задуман им как иллюстрация красоты нравственного подвига, однако основная мысль художника о величии жертвы за идею оказалась нереализованной. Сократ, полулежащий в кресле, принял яд, и в скульптуре запечатлено только физическое угасание жизни. Но уже в образе нидерландского философа Спинозы Антокольский изобразил человека кристальной чистоты, обладающего глубокой верой в торжество справедливости и отказавшегося во имя своих идей от благ и почестей.

Антитезой этому образу стал Мефистофель, представленный болезненным старцем, который одиноко сидит на скале и полон мрачной злобы и отчаяния. Это творение мастера, выставленное в Берлине и Вене, имело шумный успех и принесло ему новые награды и звания.

В конце 1880-х гг. Антокольский решил вернуться к темам русской истории. В «Несторе-летописце» (1890) он создал образ мудрого старца, первого историка своего народа, отрешенного от мирской суеты и исполненного благородства и изящества. Эпических героев скульптор изображал и в своих последующих работах: «Ярослав Мудрый» (1890) и «Ермак» (1891).

Антокольский много работал в жанре портретной скульптуры. Им были созданы изображения его друзей: критика В. В. Стасова (1873), врача С. П. Боткина (1874), мецената С. С. Полякова (1877) и другие. Одно из лучших его произведений в этом жанре – портрет И. С. Тургенева (1880), сделанный незадолго до его смерти.

Скульптором были созданы также несколько надгробий, из которых наиболее известны: этнографу Н. В. Ханыкову в Париже, профессору Ф. М. Дмитриеву в Москве, поэту С. Я. Надсону в Петербурге.

В Болгарии установлен монумент памяти русских солдат, погибших в русско-турецкой войне, над которым скульптор работал в 1894–1896 гг.

Незадолго до своей смерти Антокольский, перу которого принадлежит несколько работ по истории и теории искусства, написал роман «Бен-Изак. Хроника из еврейской жизни», а также автобиографию. Однако эти произведения не увидели свет при жизни автора.

Письма и статьи Антокольского были собраны и изданы В. В. Стасовым уже после смерти скульптора.

Верро́ккьо Андреа

(1435–1488) – выдающийся итальянский скульптор, живописец и ювелир эпохи Раннего Возрождения. Его настоящее имя – Андреа ди Микеле Чони.

Андреа родился во Флоренции в зажиточной семье, но когда ему исполнилось 17 лет, у него умер отец. Юноше пришлось стать главой семьи и содержать ее. Именно в это время он поступил учеником к ювелиру. Среди учителей Верроккьо называют несколько имен, и вполне возможно, что впоследствии одно из них он решил унаследовать.

Кроме ювелирных работ, юноша занимался декоративной резьбой и темперной живописью. Большинство его картин были изображениями Мадонны с младенцем.

Из первых работ Верроккьо известны надгробие Козимо Медичи и бронзовая фигура «Давид», выполненная по заказу богатейшего флорентийского семейства. (Некоторые исследователи относят «Давида» к 1473–1475 гг.) Зная скульптуру «Давид» Донателло, Верроккьо отчасти вступил в соревнование со своим легендарным предшественником. Юный победитель великана Голиафа выглядит задорным и торжествующим. Он возвышается над громадной головой врага, откровенно позируя перед восторженными зрителями. Излучающий довольство Давид явно отличается от работы Донателло, который изваял его погруженным в размышления. Ныне произведение Верроккьо находится в Национальном музее Флоренции.

К началу 1460-х гг. относится также бронзовая статуя «Путто с дельфином», созданная для фонтана виллы Медичи. Изображения путти (младенцев с крыльями, похожих на греческого Эрота или римского Купидона) были очень характерны для искусства Возрождения. Младенец Верроккьо улыбается и, стоя на одной ноге, прижимает к себе извивающегося дельфина, из пасти которого льется струя воды.

В 1463–1470 гг. Верроккьо также создавал предметы церковной утвари для флорентийских церквей и облачения для служителей, украшенные драгоценными камнями. Однако эти предметы до настоящего времени не сохранились.

Первые скульптурные работы прославили имя Верроккьо, и вскоре ему было заказано надгробие для Пьеро и Джованни Медичи. Это выдающееся произведение, в котором были использованы такие материалы, как порфир, цветной мрамор и бронза, находится в старой сакристии (помещение для предметов культа) церкви Сан-Лоренцо во Флоренции. Удивительно точно воссозданы в бронзе листья и плоды, мощные львиные лапы и маленькие черепахи.

В 1470-х гг. мастер работал над многими надгробиями и скульптурными композициями, самая известная из которых – «Христос и апостол Фома» («Уверение Фомы») для церкви Ор Сан-Микеле. Произведение было закончено лишь в 1483 г. Необыкновенно выразительны движения и лица персонажей этой группы. Благородство черт лица Иисуса Христа подчеркивается мягкими и округлыми юношескими формами Фомы. Эта работа Верроккьо уже соответствовала классическим канонам эпохи Высокого Возрождения, однако она стала единственной из его монументальных работ, которые ему удалось закончить.

Другое его произведение – памятник кардиналу Никколо Фортегуэрри – ждала нелегкая судьба: его не удалось закончить ни самому мастеру, ни его ученику Лоренцо ди Креди, ни тем, кто пришел им на смену в XVI в.

Последние годы жизни (1479–1488) мастер посвятил в основном созданию конного памятника кондотьеру (предводителю наемной гвардии) Бартоломео Коллеони, украсившей площадь Сан-Джованни э Паоло в Венеции. Памятник этот был отлит в бронзе лишь спустя два года после смерти скульптора. Привставший в стременах всадник кажется воплощением несгибаемой воли и энергии. В орлином профиле его лица, в насупленных бровях читается титаническая сила, способная сокрушить все. Это был яркий образ современника Верроккьо – человека действия, привыкшего бороться и побеждать.

В мастерской Верроккьо, которая находилась во Флоренции, в свое время работали и учились такие талантливые мастера Возрождения, как Леонардо да Винчи, Лоренцо ди Креди, Перуджино и другие. Верроккьо создал также много живописных работ, из которых наиболее известны: «Крещение Христа», выполненное совместно с Леонардо да Винчи, «Мадонна с младенцем», «Мадонна с младенцем, св. Иоанном Крестителем и Донатом».

Гибе́рти Лоренцо

(ок. 1381–1455) – итальянский художник, скульптор и ювелир эпохи Раннего Возрождения, историк и теоретик искусства.

Гиберти родился в местечке Пелаго неподалеку от Флоренции. Его отчим (по другим источникам – отец) был ювелиром. Именно он и обучил мальчика этому ремеслу. Лоренцо также занимался живописью.

В 1400 г. во Флоренции вспыхнула эпидемия чумы, и юноша уехал из города. Вместе с другим живописцем он был нанят вельможей, которого звали Малатеста, для росписи его дома. Однако уже через год Гиберти узнал, что эпидемия прекратилась, а во Флоренции объявлен конкурс среди художников на лучший вариант бронзовых дверей для баптистерия (помещение с купелью для совершения таинства крещения) Сан-Джованни, находившегося рядом с собором Санта-Мария дель Фьоре. С трех сторон баптистерия находились ворота. Южные ворота создал скульптор Андреа Пизано в XIV в., и они были украшены рельефными сценами из жизни Иоанна Крестителя, отлитыми в бронзе.

Среди множества мастеров, откликнувшихся на призыв флорентийских синьоров, специальное жюри отобрало несколько человек, представивших самые лучшие свои работы. Среди них были Гиберти, Донателло и Филиппо Брунеллески, вскоре прославившийся как архитектор. Через год, в 1402 г., художники представили свои работы на сюжет «Жертвоприношение Авраама». Творения Гиберти и Брунеллески были признаны лучшими. И хотя всех покорил экспрессивный драматизм работы Брунеллески, заказчики отдали предпочтение Гиберти: им понравились тщательность отделки деталей, построение элементов композиции и техническое совершенство.

Над северными дверями баптистерия скульптор работал в 1403–1424 гг. Двери разделены на 28 полей, где представлены 20 сцен из Нового Завета, а также все четыре евангелиста и четыре Отца Церкви. Рельефы разделяли декоративные гирлянды из листьев и другие узоры. В углах, на пересечении гирлянд, были помещены мужские (пророков) и женские (сивилл) головы. Композиционно Гиберти повторил ворота Пизано, которые тот делал по рисункам художника Джотто. Работа над шедевром длилась почти четверть века, и за это время мастерская Гиберти стала настоящей школой для молодых скульпторов и художников, наиболее известные из которых – скульптор Донателло и живописец Паоло Учелло.

В процессе работы над северными воротами Гиберти выполнял и другие заказы. Например, для церкви Ор Сан-Микеле он исполнил статуи в бронзе: «Св. Иоанн Креститель» (1412–1416), «Св. Матфей» (1419–1422), а чуть позже «Св. Стефан» (1425–1428).

Скульптор, слава о котором распространилась по всей Италии, начал получать заманчивые предложения из других городов – Рима, Сиены, Венеции. Согласно некоторым данным, он побывал в Риме еще в начале 1410-х гг., а в Сиене в 1417–1429 гг. он работал над двумя рельефами для купели баптистерия. На них он изобразил два сюжета из жизни св. Иоанна Крестителя: многофигурные композиции «Крещение Христа» и «Взятие св. Иоанна Крестителя под стражу».

Гиберти также создал несколько гробниц. Для генерала ордена доминиканцев Леонардо Дати он отлил из бронзы его статую, которая должна была увенчать крышку гробницы генерала во флорентийской церкви Санта-Мария Новелла. Несколько гробниц в церкви Санта-Кроче скульптор изваял из мрамора. Герцоги Козимо и Лоренцо Медичи заказали ему бронзовую раку для мощей трех мучеников – Прота, Гиацинта и Немезия. На раке мастер изобразил двух ангелов, держащих гирлянду из оливковых ветвей, на которой были написаны имена мучеников.

По заказу попечителей собора Санта-Мария дель Фьоре Гиберти выполнил бронзовый саркофаг для мощей флорентийского епископа св. Зиновия, украшенный арабесками и фигурками ангелов.

В 1425 г. Гиберти приступил к работе над восточными дверями баптистерия Сан-Джованни, заказ на которые не замедлил последовать после того, как он закончил работу над северными. Впоследствии Микеланджело назвал их «Врата рая», и они сделали имя Гиберти известным далеко за пределами Италии.

Рельефы на «Вратах рая» посвящены отдельным сюжетам Ветхого Завета. Гиберти выбрал для них более строгую форму квадрата, а также уменьшил их число до десяти.

Каждый из рельефов – многофигурная композиция, похожая на жанровую сцену, на фоне архитектуры и пейзажа, с помощью которого создается ощущение глубины пространства.

Более богатым стало декоративное обрамление рельефов: мастер изобразил различные растения и множество животных, ниши с фигурками персонажей Ветхого Завета, а также себя и своих родных и учеников.

Работа над этим шедевром продолжалась 27 лет!

Кроме создания скульптур, мастер брался и за изготовление ювелирных изделий. По заказу Джованни Медичи, сына Козимо, он сделал обрамление для большой сердоликовой геммы, которая, согласно легенде, принадлежала древнеримскому императору Нерону. Для папы Евгения IV он выполнил митру из золота, жемчуга и драгоценных камней.

За свою жизнь Гиберти изготовил множество прекрасных шедевров ювелирного искусства, но, к сожалению, до наших дней они не дошли.

Будучи одним из самых образованных людей своего времени, мастер создал внушительный рукописный труд – «Комментарии».

Первую часть своего труда он посвятил истории искусств, материал для которой он черпал в книгах историка Плиния и других древних авторов. Во второй части рассматривалась история искусства в Средние века, а также излагались биографии художников. Третья часть представляла собой автобиографию.

Когда Гиберти умер (спустя три года после окончания работы над «Вратами рая»), ученики обнаружили еще один трактат – о теории света и принципах оптического изображения. Увы, этот труд мастер закончить не успел.

Гудо́н Жан Антуан

(1741–1828) – великий французский скульптор и литейный мастер.

Гудон родился в Версале. Его отец служил привратником в Академическом училище, и с ранних лет мальчик начал заниматься скульптурой. Вскоре на него обратили внимание преподаватели из Королевской академии живописи и ваяния, и он был принят в школу при этом заведении в 1756 г. Уже в 1761 г. он получил первую премию за барельеф «Царица Савская подносит дары Соломону». Учителями Гудона были такие выдающиеся скульпторы, как Мишель Слодтц, Жан Батист Лемуан и Жан Батист Пигаль.

В числе лучших учеников в 1764 г. он был послан в Италию для изучения шедевров классического искусства. За четыре года пребывания там юноша создал несколько скульптур, которые принесли ему известность: «Весталка», «Св. Бруно» и «Св. Иоанн Креститель». Он также посещал анатомический театр, где препарировал трупы, чтобы узнать анатомию человеческого тела. Результатом этих занятий стала скульптура «Экорше», изображающая человеческое тело без кожи. Она могла служить для изучения мускулатуры тела.

В 1768 г. Гудон вернулся в Париж. Здесь он познакомился со своим первым заказчиком – немецким герцогом Саксен-Готским, который в течение многих лет оказывал ему покровительство и приобретал его работы. Для герцога скульптор сделал несколько рельефных портретов членов его семьи.

Дебют Гудона во французском Салоне (регулярная французская выставка произведений искусства) состоялся в 1769 г. Ни один из последующих Салонов вплоть до конца XVIII в. не обходился без работ скульптора.

В 1771 г. мастер представил публике портрет философа Дени Дидро. Изваяния Дидро, критика и знатока искусства, создавали многие выдающиеся скульпторы того времени, но произведение Гудона выделялось среди всех легкостью и свободой трактовки образа, отсутствием лишних деталей, яркостью и живостью исполнения.

Через Дидро и его близкого друга Мельхиора Гримма художник приобрел еще одного могущественного и щедрого заказчика – русскую императрицу Екатерину II. В 1773 г. он изготовил ее бюст. Кроме того, русский посланник при французском дворе князь Д. А. Голицын заказал художнику надгробные памятники князьям М. Ф. и А. Д. Голицыным, которые были установлены в Богоявленском монастыре в Москве.

Гудон в своем творчестве часто обращался к мифологическим сюжетам. Скульптура «Диана-охотница», созданная в 1776 г., была ярким воплощением аристократического изящества в классицистических строгих формах. Диана изображена обнаженной, в позе, создающей иллюзию бега.

В 1777 г. Гудон был избран академиком за мраморную статую «Морфей». Бог сновидений у него принимает облик атлета, спящего на скале с закинутыми за голову руками. Популярностью пользовалась и скульптура «Зима», которая была олицетворена в образе полуобнаженной озябшей девушки.

Своей известностью Гудон был обязан не только таланту художника, но и непревзойденным навыкам мастера-литейщика. Особенно он увлекался литьем в конце XVIII в. Кроме собственных творений, он воспроизводил в бронзе многие шедевры своего времени.

В историю скульптуры художник вошел как мастер портрета. В своем творчестве он избегал идеализации образов, которые изображал, и всегда старался выразить внутреннюю сущность человека.

Многие современники были запечатлены скульптором: члены королевской семьи, деятели французского театра, философы, предводители французской революции и борцы за независимость Северо-Американских штатов, а также собственные дети.

Из множества этих работ одной из лучших считается посмертный бюст Мольера, который украсил помещение театра «Комеди Франсез». Гудон изваял Мольера в живой, свободной позе, почти в движении. Его голова, обрамленная длинными ниспадающими волосами, резко повернута, рот полуоткрыт, а взгляд великого драматурга пронзителен.

В 1778 г. после кончины философа Жана Жака Руссо скульптор снял маску с лица умершего, и на ее основе он сделал бюст. Хотя Гудон лично не был знаком с писателем, он сумел создать чрезвычайно правдивый образ человека с острым, проницательным умом и сардоническим чувством юмора.

Мраморная статуя Вольтера считается самым великим творением Гудона. После смерти писателя в 1778 г. он сделал слепки с лица и рук умершего, а в 1781 г. завершил работу над мраморной статуей. Скульптор представил философа сидящим в кресле в мантии, которая по покрою похожа на домашний халат. На лбу Вольтера – повязка, глубокие морщины покрывают его лицо, беззубый рот полуоткрыт, на тонкой шее видны складки кожи. Однако облик глубокого старца пронизан одухотворенностью: старик иронично усмехается, взгляд полон мысли, он энергично склонился вперед, а пальцы впились в подлокотники кресла.

Гудон создал два почти идентичных изваяния в мраморе. Одно из них украсило театр «Комеди Франсез», а второе было отправлено в Россию и в настоящее время находится в Эрмитаже.

В 1785 г. Гудон был приглашен в Северо-Американские штаты для работы над статуей Джорджа Вашингтона.

В 1802 г. он создал скульптурный портрет еще одного выдающегося философа – Жана Лерона Д’Аламбера, соратника Дидро, – который тоже считается одним из шедевров мастера. Туманный взгляд, едва заметная, но несколько принужденная улыбка выдают застенчивого и замкнутого человека, который, однако, был блестящим математиком, физиком и социологом.

Пришедший к власти Наполеон покровительствовал художнику. В 1803 г. Гудон стал кавалером нового, учрежденного ордена Почетного легиона, а в 1805 г. был назначен профессором Школы изящных искусств и до 1823 г. занимался преподавательской деятельностью. Последним его произведением был бюст российского императора Александра I, выставленный в парижском Салоне в 1814 г.

Де́мут-Малино́вский Василий Иванович

(1779–1846) – выдающийся русский скульптор и преподаватель.

Демут-Малиновский родился в Петербурге в семье резчика по дереву Ивана Демута, однако отец мальчика умер рано, и тот в возрасте шести лет был отдан в Воспитательное училище при Академии художеств.

Большую роль в формировании таланта будущего скульптора сыграл М. И. Козловский. В 1799 г. Демут-Малиновский вместе с другими учениками был привлечен к работе по замене старых свинцовых статуй Большого каскада в Петергофе на бронзовые. Тогда начинающий скульптор выполнил статую «Меркурий Капидольский», а за барельеф «Ангел выводит апостола Петра из темницы» в том же году был удостоен Золотой медали 2-й степени.

В 1800 г. Демут-Малиновский вместе с другими скульпторами участвовал в создании барельефов к памятнику Петру I работы Б. К. Растрелли. Его работа «Взятие фрегатов при Гангуте» была удостоена Большой золотой медали и пенсионерства при Академии.

В 1802 г. Демут-Малиновский выиграл конкурс проектов надгробного памятника для своего учителя Козловского и получил за него Большую золотую медаль. В 1803 г. памятник был установлен на Волковом кладбище (впоследствии перенесен в некрополь Александро-Невской лавры). На барельефной композиции этого памятника изображен крылатый гений смерти, гасящий факел жизни. На постаменте также помещен барельефный портрет Козловского – одна из первых работ Демут-Малиновского в этом жанре.

В 1803 г. он отправился в пенсионерскую поездку в Италию, где в течение трех лет изучал античное искусство и занимался у выдающегося итальянского скульптора Антонио Кановы.

Одной из первых работ художника за границей был мраморный барельеф «Геркулес и Омфала». В Италии Демут-Малиновский в совершенстве овладел техникой обработки мрамора. Несколько других работ, выполненных им за границей, были утрачены.

Вернувшись на родину, художник принял участие в создании декоративного оформления для крупнейших петербургских построек того времени – Казанского собора, Горного института, Биржи и Адмиралтейства.

Для Казанского собора, автором проекта которого был архитектор Андрей Никифорович Воронихин, скульптор создал статую Андрея Первозванного. При ее создании он руководствовался лучшими классическими образцами: полуобнаженная фигура дана в сложном развороте, однако эта поза выглядит естественной. На лице изображено страдание, а крест удачно дополняет общую композицию статуи.

В числе других работ скульптора для Казанского собора были гипсовые статуи Ильи-пророка, архангела Михаила и аллегорической скульптуры «Вера» для главного алтаря. Эти работы до настоящего времени не сохранились.

За эскиз статуи Ильи-пророка Демут-Малиновскому было присвоено звание академика, за статую Андрея Первозванного он был произведен в адъюнкт-профессора.

В 1809 г. совместно с С. С. Пименовым Демут-Малиновский приступил к созданию скульптурного убранства здания Горного института, строительством которого руководил также Воронихин. Демут-Малиновский выполнил скульптурную группу «Похищение Прозерпины Плутоном» и два барельефных фриза – «Аполлон, приходящий к Вулкану за колесницей» и «Венера, требующая от Вулкана доспехи Марса».

Скульптурная группа воссоздает эпизод одного из греческих мифов. Владыка подземного царства Плутон похищает дочь Зевса и богини плодородия Деметры и уносит ее с собой в Аид. Напряженная могучая фигура Плутона выражает решимость и несгибаемую волю, жесты отчаяния и мольбы мятущейся в ужасе девушки резко контрастируют с ними. У их ног находится трехголовый пес Цербер, страж подземного царства.

Сотрудничество с Воронихиным продолжалось и дальше. В 1808 г. Демут-Малиновский работал над интерьерами Павловского дворца и выполнил фигуры кариатид для «Кабинета-фонарика».

В 1811 г. скульптор участвовал в работах по оформлению здания Биржи. Он создал скульптурную группу «Триумф Нептуна» (другое название – «Балтийское море»).

В 1811 г. Демут-Малиновский приступил к оформлению здания Адмиралтейства, перестройка которого велась по проекту архитектора Андреяна Дмитриевича Захарова. Этой работой скульптор занимался в течение трех лет. Наиболее значительные из его творений – аллегорические статуи рек Енисея и Лены, а также аллегория «Европа» и некоторые другие. До настоящего времени эти работы, к сожалению, не сохранились. В 1860 г. они были сняты по причине ветхости и уничтожены.

С 1813 г. Демут-Малиновский занимался в основном станковой и мемориальной скульптурой. Патриотической теме посвящена его статуя «Русский Сцевола», выполненная в 1813 г. Это изображение русского крестьянина: вырвавшись из плена, он отрубает себе правую руку, на которой осталось клеймо завоевателей – буква N. Скульптура Демут-Малиновского вызывала в памяти историю римского юноши Муция, который лишил себя правой руки в доказательство верности родине и тем самым спас город от разорения. Юношу после этого стали звать «Сцевола», что означало «Левша».

Скульптура «Русский Сцевола» была одной из первых, в которой столь значительно воссоздавался образ простого человека. За нее Демут-Малиновский был произведен в профессора Академии.

Среди надгробных скульптур мастера выделяются памятник А. Н. Воронихину, исполненный в 1814 г., а также М. Б. Барклаю-де-Толли для его поместья в Эстонии, над которым скульптор трудился в 1821–1823 гг. Во второй половине 1810-х гг. он создал образы полководцев М. И. Кутузова и А. В. Суворова, ученого М. В. Ломоносова и поэтов В. А. Озерова и М. Н. Муравьева.